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Doug Clifford

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Douglas Ray «Cosmo» Clifford (Palo Alto, California, EE. UU., 24 de abril de 1945) es un músico estadounidense más conocido por su trabajo como baterista en la banda de rock Creedence Clearwater Revival.

Su carrera musical comenzó en 1959 con The Blue Velvets, un grupo integrado por Clifford a la batería, John Fogerty a la guitarra y Stu Cook al bajo. El grupo, al que se sumó Tom Fogerty en 1960, cambió su nombre por The Golliwogs bajo el cual grabaron varias canciones publicadas como sencillos de escaso éxito comercial.

En 1967, John Fogerty tomó el control del grupo como compositor y guitarrista principal, cambiando el nombre de The Golliwogs por el de Creedence Clearwater Revival. El éxito de su primer álbum homónimo, Creedence Clearwater Revival, así como varios de sus siguientes trabajos de estudio, elevaron a la formación a la escena del rock, llegando a tocar en el Festival de Woodstock en agosto 1969.

Tras la ruptura de la Creedence Clearwater Revival en 1972, Doug Clifford y Stu Cook se sumaron al recién formado grupo de Don Harrison, The Don Harrison Band. Previamente, en 1972, Clifford publicó un álbum en solitario, Cosmo, de escaso éxito comercial. En 1976, el grupo publicó un álbum homónimo, y en 1977, el álbum Red Hot. Tras la publicación del segundo álbum del grupo, Don Harrison decidió disolver la formación. Russel DaShiell, Doug Clifford y Stu Cook decidieron en un primer momento mantener el nombre del grupo y seguir tocando, si bien acabaron por abandonar el proyecto debido a la vinculación del nombre de Don Harrison al grupo. En 1979, Stu abandonó el grupo y pasó a formar parte de diversas bandas como Rocky Ericksons, The Aliens y Southern Pacific.

En 1995, Clifford y Cook formaron el grupo Creedence Clearwater Revisited.


Nicky Hopkins

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Nicholas Christian «Nicky» Hopkins, (Harlesden, Londres, Inglaterra, 24 de febrero de 1944 – Nashville, Tennessee, EE UU, 6 de septiembre de 1994) fue un músico inglés que participó en algunas de las piezas musicales más importantes de la música popular inglesa y norteamericana de los años 1970 a 1980, tocando el piano y el órgano. Está considerado uno de los más importantes músicos de estudio de la historia del rock, tocando en incontables sesiones de líderes ingleses y americanos.

Nicky Hopkins comenzó su carrera musical a principios de los 60 como pianista con Screaming Lord Sutch’s Savages, formación que también incluía a Ritchie Blackmore, fundador de Deep Purple.

The-SavagesComenzó su carrera musical como músico de sesión en Londres a principios de los sesenta. Se convirtió rápidamente en uno de los más demandados, contribuyendo con sus influencias de boogie-woogie en muchas grabaciones de éxito. Trabajó como pianista para los más afamados productores ingleses del momento como Shel Talmy y Mickie Most y tocó en sencillos de The Kinks, Donovan y, especialmente, Rolling Stones.

En 1965 tocó el piano en el LP debut de The Who, «My Generation». Grabó con la mayoría de los números uno de Inglaterra de los sesenta incluidos The Beatles, Rolling Stones, Who y Kinks, así como en los álbumes en solitario de John Lennon, George Harrison, Ringo Starr y Jeff Beck, entre otros. Ayudó también a definir el llamado sonido San Francisco tocando en los discos de Jefferson Airplane, New Riders of the Purple Sage y Steve Miller Band. También se unió brevemente a Quicksilver Messenger Service y tocó con Jefferson Airplane en el festival de Woodstock.

En 1967 se unió a The Jeff Beck Group, formado por el guitarrista ex Yardbirds Jeff Beck, el vocalista Rod Stewart, el bajista Ron Wood y el baterista Micky Waller. Tocó en sus influyentes discos «Truth» y «Beck-Ola». Fue también miembro del grupo de corta vida Sweet Thursday en 1969.

Nicky-Hopkins-2Hopkins se unió a la formación de directo de los Rolling Stones en el tour Good-Bye Britain de 1971, así como en el notable North American Tour de 1972 y en el Winter Tour of Australia and New Zealand de principios de 1973. La participación de Hopkins destaca notablemente en el clásico «Exile on Main Street» de 1972. Falló en la gira por Europa de los Stones de 1973 debido a su enfermiza salud y, aparte de una esporádica aparición como invitado en 1978, no volvería a tocar en directo nunca más con los Stones. Continuó grabando con ellos hasta 1980 y en sus discos en solitario hasta 1991.

Cuando John Lennon registró sus temas «Jealous guy» e «Imagine», bajo la producción de Phil Spector, Hopkins participó con sus muy recordadas partes de piano.

Publicó un álbum en solitario en 1973 titulado «The Tin Man Was a Dreamer». Otros músicos que aparecieron en dicho álbum fueron George Harrison (bajo el seudónimo de George O’Hara), Mick Taylor de los Rolling Stones y Prairie Prince que acabaría en los punks subersivos The Tubes. El álbum es una rara oportunidad para escuchar a Hopkins cantando y fue reeditado por Columbia Records en el 2004. En esa etapa, consiguió realizar una gira con Jerry García y su Jerry Garcia Band desde el 5 de agosto al 31 de diciembre de 1975.

Como músico de sesión, Hopkins ha sido conocido por su capacidad para realizar buenos acompañamientos sin apenas ensayos previos y era conocido en el mundillo discográfico por leer cómics durante las sesiones de grabación. El clásico «Session Man» de los Kinks está dedicado a él (el miembro de los Kinks Ray Davies escribió una pieza «in memoriam» tras su muerte que apareció en el New York Times).

Hopkins murió el 6 de septiembre de 1994 en el hospital de St. Thomas, en Nashville debido a complicaciones de una operación intestinal anterior. Tenía 50 años. Estaba entonces trabajando en su autobiografía con Ray Coleman. Dejó viuda a su esposa, Moira.


Johnny Winter

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John Dawson «Johnny» Winter (Beaumont, EE UU, 23 de febrero de 1944 – Zúrich, Suiza, 17 de julio de 2014) fue un guitarrista estadounidense de blues y de rock. Winter se convirtió en una estrella del blues eléctrico a finales de los años 1960 y en el momento del festival de Woodstock ya era una leyenda.

Desde muy joven, Winter mostró una fuerte atracción por la música.  A los 14 años, ya empapado de blues con una larga colección de discos que había ido reuniendo, forma Johnny and the Jammers, su primera banda, junto a su hermano Edgar. Pasó su temprana juventud grabando temas para discográficas de proyección regional y presentándose en bares buscando ser escuchado y obtener una reputación dentro del mundo del blues, por su habitual colaboración con locales como Clarence Garlow o Calvin Johnson. Llegó a tocar, en 1962, ante B.B. King, con la guitarra de este, en una visita a un famoso local de Beaumont. Durante ese tiempo formó un trío, The Cyrstaliers and It and Them, que intentó hacerse un espacio en los clubes locales, y también visitó otras ciudades satélite del blues como Chicago, tratando de escuchar a otros artistas y captar la esencia del género.

PRZ-001497Su descubrimiento a nivel nacional llegó a través de un artículo en la revista Rolling Stone, en 1968, lo que le valió un contrato con un propietario de un club neoyorquino y una grabación con Columbia. Su disco de debut oficial, Johnny Winter, fue publicado en 1969, año en el que también tocó en distintas presentaciones y festivales, incluyendo el de Woodstock.

Más tarde, formó una banda con antiguos componentes de The McCoys, llamada Johnny Winter And. Consiguió buenas ventas entre 1969 y 1970 con los álbumes Second Winter y Johnny Winter, respectivamente. Durante ese tiempo, Winter sufrió una fuerte adicción a la heroína, de la que se recuperó rápidamente, y grabó en 1973 Still Alive and Well. Sus discos fueron cada vez más orientados al blues duro, y a finales de los setenta produjo también varios álbumes de Muddy Waters, con quien consiguió un par de Premios Grammy, entre otras colaboraciones.

En los ochenta, luego de una larga pausa grabó tres discos para el sello de blues Alligator. El primero, en 1984, contenía relanzamientos de viejos temas R&B y contó con la ayuda de la Albert Collins Icebrakers Band”, compañeros de disquera, logrando su segunda candidatura a los premios Grammy. En 1986 lanza “Third Degree”, un disco compartido con antiguos compañeros de gira. Alternativamente mantiene sus habituales giras por distintos locales, ofreciendo conciertos y colaborando con otros artistas.

Johnny-Winter-3El año 1990 marca su regreso a los estudios con una nueva nominación a los Grammy gracias a su álbum Let Me In. Vuelve al año siguiente con Hey, Where’s Your Brother?, también nominado a los premios Grammy. Ese mismo año sale también a la venta el recopilatorio Scorchin’ Blues mientras continua de gira. También colaboraría en 1996 con su hermano en el disco The Real Deal manteniendo sus giras. En 1998 producto de su trabajo en vivo sale a la venta Live In NYC ’97 disco que recopila 5 años de concierto.

Winter regresó en 2004 con su primer álbum en ocho años, I’m a Bluesman con el que logró de nuevo una excelente crítica y otra candidatura a los Grammy. Winter continua maravillando con su peculiar estilo a sus seguidores, manteniendo sus giras, aunque en últimos años se había visto afectado por problemas de salud y se ve obligado a realizar las presentaciones sentado, producto de un problema de Síndrome Túnel Carpiano así como problemas en la cadera. Aun así mantiene su carrera artística. En mayo de 2009 lanzó un nuevo recopilatorio denominado The Johnny Winter Anthology distribuido por Sony Music Entertainment.

Durante su gira estival en Europa, el 17 de julio de 2014, trascendió su imprevista muerte. Al parecer, murió en un hotel de Zúrich, Suiza, de madrugada.


Richie Havens

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Richard Pierce Havens (Brooklyn, 21 de enero de 1941 – Jersey, 22 de abril de 2013). Fue el mayor de nueve hermanoss. Empezó a cantar doo-wop en las calles y estuvo actuando con The McCrea Gospel Singers a los 16 años. A los 20, dejó Brooklyn para buscar la estimulación artística.

El salto inicial a la fama se produjo en la escena de música folk de la Greenwich Village, la misma que crio a Joan Báez y a Bob Dylan. En 1967, se convirtió en uno de los múltiples artistas basados en la Village que firmaron con Verve Records y publicaron varios álbumes para sorpresa de algunos.

En 1969, abrió el Festival de Woodstock, aunque estaba programado que fuera el quinto de la lista. Su actuación recibió continuas ovaciones y continuó tocando bises hasta que se quedó sin canciones. Al final, decidió improvisar una versión de Motherless Child, a la que añadió una estrofa con la palabra «freedom» repetida varias veces; la canción apareció en la película Woodstock y se convirtió en un éxito internacional.

Llegaría a grabar el éxito de The Beatles Here comes the sun, que ascendió en la listas de Billboard en la década de los 70’s, éxito complementario al de su aparición cinematográfica.


Janis Joplin

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Janis Lyn Joplin (Port Arthur, Texas, 19 de enero de 1943 – Los Ángeles, California, 4 de octubre de 1970) fue una cantante estadounidense de rock and roll y blues caracterizada por su poderosa voz y la intensidad de su interpretación.

A los dieciséis años comenzó a manifestar su amor por la música, frecuentando los bares de Luisiana, donde escuchaba música negra, de blues y jazz.

Janis_Joplin-3Cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas en Austin, comenzó a cantar de forma habitual en bares. Participaba frecuentemente con la banda Waller Creek Boys. Allí empezó a tener reputación de ser una fuerte bebedora. En 1963 se trasladó a la ciudad de San Francisco.

Estando allí conoció a muchos músicos con los que más tarde se reencontraría, como su amante Ron «Pigpen» McKernan» (después, miembro de The Grateful Dead), grabando un disco casero con Jorma Kaukonen, futuro guitarrista de Jefferson Airplane y Margareta Kaukonen en la máquina de escribir, utilizada como instrumento de percusión.

Se mudó a San Francisco junto a Chet Helms, un productor que conoció en Texas. Se unió a la banda Big Brother and the Holding Company el 4 de julio de 1966, logrando una combinación perfecta.

Chet Helms le ofreció que se uniese a la banda de la que era su manager, y con la que finalmente grabaría su primer álbum, Big Brother and the Holding Company, que tuvo una importante repercusión.

Janis_Joplin-5Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Solían actuar junto con otros grupos psicodélicos cómo The Grateful Dead, Jefferson Airplane y Quicksilver Messenger Service en los famosos salones de baile Avalon Ballroom, Fillmore East y Fillmore West, o con festivales al aire libre en el Golden Gate Park y en Haight-Ashbury.

Actuó con su grupo en el Festival de Monterey de 1967 junto con algunos grandes artistas del momento como Jimi Hendrix, The Mamas and The Papas, Jefferson Airplane, Otis Redding y The Who, entre otros. Como la primera actuación de los Big Brother no había sido filmada, les pidieron que tocasen al día siguiente. Durante esa presentación, interpretaron Combination Of The Two; Janis dejó a la audiencia boquiabierta con una versión del emblemático blues de Big Mama Thornton, Ball And Chain.

En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. Aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa y Cheap Thrills salió en agosto de 1968. Lanzando a Janis al éxito, a los tres días se hizo disco de oro y en el primer mes se vendieron más de un millón de copias. En el 2003, Cheap Thrills se colocó en el lugar 338 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Janis_Joplin-4Las críticas sobre ella fueron muy buenas, y la prensa empezó a centrarse más en ella que en el grupo, todos le decían que ella era demasiado buena para el grupo, había tensión entre ellos a causa del protagonismo de Janis y la fama, y ella quería hacer un estilo más blues y soul, como las cantantes que veneraba, como Bessie Smith, Billie Holiday o Aretha Franklin, así que después de mucha presión por parte de su manáger, Albert Grossman, se marchó de Big Brother and the Holding Company.

Con su nueva banda, «Kozmic Blues Band», salió su segundo disco, I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama!. El sonido era distinto a lo que sus oyentes estaban acostumbrados: era una mezcla de rock, soul y blues, y recibió malas críticas, la revista Rolling Stone la denominó la «Judy Garland del rock».

El 16 de agosto de 1969 actuó con enorme éxito en el festival de Woodstock, dónde realizó dos repeticiones de Ball And Chain y Piece of My Heart.

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Los músicos de la banda eran sólo profesionales, y Janis quería que su banda fuese como una familia, como en Big Brother. Con el único que acabó conectando fue con el saxofonista Cornelius «Snooky» Flowers. A finales de 1969 Janis estaba ya destrozada y demasiado enganchada a la heroína y al alcohol, así que decidió tomarse un descanso y abandonar la banda. A finales de ese año la banda se separó. Su último concierto fue en el Madison Square Garden en Nueva York en la noche del 19 y 20 de diciembre de 1969.

En febrero de 1970, se fue de viaje con una amiga a Río de Janeiro por carnaval, a desintoxicarse, por lo menos, de la heroína. Allí conoció a David Niehouse y se enamoraron, estuvieron unos meses por la selva de Brasil viajando como dos viejos beatniks en la carretera y al volver a San Francisco, David se instaló en casa de Janis.

Janis_Joplin-6En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar Pearl. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día en el estudio, y para celebrarlo salió de copas con sus compañeros y se emborrachó. Según el estudio forense, murió a la 1:40 por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Su cuerpo fue descubierto unas 18 horas después. Todos quedaron sorprendidos, pues pensaron que Janis ya no consumía, y estaba en la mejor época de su vida.

En 1971, seis semanas después de su muerte, salió el disco Pearl; fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema Mercedes Benz a capella, ya que fue la última canción que Janis grabó; también se incluyó la canción Buried Alive in the Blues sólo con música, sin la voz de Janis.

El sencillo Me and Bobby McGee, compuesto por Kris Kristofferson (con quien la cantante tuvo un romance) y Fred Foster, representó su mayor éxito, al ser la única canción de Janis Joplin en alcanzar el Nº 1 en el Billboard Hot 100, por una semana en marzo de 1971.

En 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

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Fue un símbolo femenino de la contracultura de los ’60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del rock and roll. En 1995 ingresó al Salón de la Fama del Rock y en 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas de todos los tiempos, mientras que en 2008 la ubicó en puesto 28 de los mejores cantantes de todos los tiempos.

En 2013 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. En 1999, fue elegida como la tercer mejor artista femenina del rock en la lista 100 Greatest Women in Rock realizada por VH1.